2020英国皇家艺术学院摄影毕业展

2021年5月4日 作者 yabovip56

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根据 2020年QS世界大学的最新排名,英国皇家艺术学院(RCA)在全球艺术院校中排名第一,尤其在学校声誉方面达到了满分的高标准。因为疫情原因,皇艺今年的毕业展览调整为线上模式,展出了摄影专业41位硕士生作品。

RCA的摄影硕士项目,是一个没有身份限制的拓展性和跨学科的艺术实践课程,旨在提供了一个可以把摄影作为艺术家创作核心的环境。学生可以在这个平台进行创作来表达思想,并且能批判性地反思自己所做的实践。“什么是一张照片”和“什么不是一张照片”的界限正在被消除,无论是静止的还是动态的、瞬间发生的还是精心布置的、数字的还是胶片的、摄影的当下都是一种可塑的文化和美学表现形式。一个有见识的摄影创作会意识到不同的视觉艺术经验,以及摄影其自身的独特传统。在学习期间,你还将在艺术理论和文化研究的指导下,进行静态图像的相关阅读和写作。

光圈数据:2019年,RCA摄影硕士项目毕业人数44名,中国大陆10人;2020年,摄影硕士项目毕业人数42名,中国大陆14人

ANABELA的创作关注人与技术的关系、消费文化和欲望、以及其对于我们日常生活环境美学的影响。她的作品在全球展出,参与的展览包括法国阿尔勒摄影节及洛杉矶摄影展,首个个展最近也在巴黎的intervalle画廊开幕。安娜贝拉获得了迪奥新秀奖以及the Life Framer Series Awards。2020年,她的作品还被GUP杂志列为年度出版物。

这个系列反映了唯物主义欲望的轮廓及其追求幸福的关系。这是对技术崇拜的一种观察,是人类心理的一种延伸。消费者的对象似乎可以引导和反射,并以其用户的情感为食。

ANABELA探索了技术在家庭空间中的存在以及它们如何改变我们的生活环境,如何创造新的视觉景观和特定的美学以淡化和塑造我们的日常习惯的现象。电视屏幕发出的蓝光渗透到场景中,并重申了这种存在,保留了人工的乐趣,带来了一种更深入现场的体验。充满怀旧之情的家用电子产品成为开放式叙事的主要主题,这些叙事激发了观众的想象力,同时谈到了一种不断发展的、模棱两可的关系,即人类对欲望的技术对象的亲近,这些对象正是我们的珍贵事物。

OLLIE本科毕业于诺丁汉特伦特大学的摄影专业。《取代自然》这个作品是由虚拟雕塑构成。OLLIE从英国某一小片荒野中获得一些自然表面的碎片,将这些自然单位进行了多层抽象呈现。

随着技术进步,大自然所遭到破坏,被分散、分解和重组成为价值的衡量单位,由人工智能通过全球资本网络进行交易。当市场决定累积哪些资源,而后无视之后破坏的结果的时候,世界的控制权已由人转移到机器。

生态系统崩溃,生物多样性丧失,生物灭绝,气候混乱已开始。受损的实体、数字图像、摄影作品、虚拟雕塑、空间和屏幕,这些作品存在于艺术家的虚拟工作室中,该工作室通过电子游戏引擎构建的在一个经济性的虚构环境中。

JAMES本科从伦敦艺术大学传播学院摄影专业荣誉毕业,主要从事摄影,装置,运动图像和文字创作。在皇家艺术学院攻读摄影硕士期间,JAMES还是RCA2020的学生代表。他的作品在英国和国际上广泛展出,包括剑桥,伦敦,纽约和意大利。

一位研究型的艺术家,他的创作通过制作照片,嗅觉,雕塑和装置作品来探索宗教和消费主义。

NADJA于1993年出生在德国中部一个中世纪小村庄,她大部分时间都花在森林还有看书,她喜欢童话故事,民间传说以及讲故事。在慕尼黑应用科学大学获得摄影学士学位后,NADJA于2018年前往伦敦皇家艺术学院攻读摄影硕士学位。她对口述故事感兴趣,认为这是探索新叙事方式的一种方式。

DONALD W. WINNICOTT认为“人类生活的一部分,我们不能忽视的一部分:“一个中间区域,用于体验内在现实和外部生活的中间区域。这是一个不受挑战的领域,因为没有人代表它提出任何主张,除非它将作为一个个人安息地而存在,这个对人类来说永恒的任务,是使内部精神和外部现实保持分离,但又相互关联。”。

NADJA将故事中的人物放在这个中间区域中,让他们玩耍和探索。相机的取景器变成了舞台,现实与幻想之间的界限变得模糊。内外颠倒,一个想法被孕育和诞生于世界。然后相机吞噬了它,捕捉外部世界的图像,并将其放置在自己的身体(相机机身)内。当NADJA把图像放到外面的世界时,这个过程会重复。它们成为物质世界的一部分。但是随后,观看者的目光再次捕捉到了它们,它们首先被投射到视网膜和大脑中。这是一个由内而外的循环,连接着两个世界-身体和心灵。就像童话故事一样,它讲述、重述、演戏和重演。通往树林的小路看起来像是穿过森林的旅行,但却是一次通往森林内部的旅程。

YILIN来自中国常州,本科毕业于中国中央美院,2018年前往RCA攻读摄影硕士。她的创作主要集中在个人与周围环境之间的联系。作为一位敏锐且注重细节的摄影师,她擅长于通过平淡无奇的日常来捕捉具有超现实气氛的特定时刻,以及自我修复的过程。

同时,光作为世界纯洁与爱的象征,在她的整个实践过程中始终扮演着重要的角色。她最近的项目是关于如何努力寻找根源并为她的长期情感苦难找到解决方案。

RUIJING基于疾病和身体的主题进行创作,将自我的经历总结为与动态图像对话的阶段。以摄影为基础,融合了动画,装置和表演,以巩固视觉语言的呈现。GE研究了现代医学对有形生存的干预,控制和转化,作品中的视角从自我到父亲的身影,再到孩子们的眼睛,所有角度都在呈现和身体疾病的对话。在身体作为媒介的投射下,上述对话传达了RUIJING关于生命、身体和疾病的世界观。

同时,在疾病的主题下,ruijing还讨论了有机物和无机物。围绕着各种不同的个人经历开展创作,这些经历对身体的不同变化进行了巩固,同时GE还研究了疾病结构下的亲密关系。在这个项目中,试图突破身体边缘的界限,能够让自己以客观的方式看待自己和他人的身体,从而逃避了本体论的挑战,进一步希望生活的经验和对大众的反思将有助于发现自我及其与社会的联系,同时反思生活本身。

DEANIEL以摄影为主要的创作媒介,他取材于外星人绑架故事和现代主义文学叙事,同时结合对记忆回归和照片本体论的调查研究进行创作。他的作品参加了许多团体展览并出现在多个出版物上,这些展览和出版物已在整个欧洲和美国展出和发行。他的作品最近出现在C41 Magazine和Der Greif上,未来也将在伦敦,曼彻斯特和雅典的展览中展出。

摄影作品构成了流逝时光的图画,将感知到的现实与物理现实之间的鸿沟概念化,与家庭世界和自然世界中的短暂瞬间擦肩而过。通过摄影固有的操作,图像将叙事串在一起,从而改变了我们对观看的理解。这样,照片就变成了记忆的幽灵,无序地滑入并显示出受影响的熟悉时刻,这是对“怪人”的致意。这些照片变得永恒而冻结,成为记忆的隐喻。

参考弗吉尼亚·伍尔夫在奥兰多和达洛维夫人中的叙事技巧,这些照片超越了自传,跳脱出它们所处的的时间线,脱离了它们所在的环境,并成为永远改变的熟悉时刻。这些图像通过手工艺和劳动的证据进一步对比了细致的人为干预。自然世界被改变了,甚至几乎被迫停止了。时间已经流逝,被瞬间困住了,但多数都被遗忘在这些空间中。对维克托·特纳的《阈门和类阈门》进行研究变得重要:参考“存在”与“成为”之间的仪式性时刻。这些作品流血不断-立刻令人联想到约瑟夫·苏德克的《我的工作室的窗户》系列,孤立地观察安全性固有的特性。

也许这就是照片的特性:作为自然界中的“双重”,作为时间的一面镜子,观看者被迫在感知和摄影之间观看。

OANNA出生于1989,是一位现居住于伦敦的希腊艺术家。她本科读的是传播与媒体专业,在读了一个摄影研究生学位和欧洲城市与文化研究硕士学位之后,艾奥娜又在皇家艺术学院获得了另一个摄影硕士学位。

OANNA是索尼世界摄影奖2020年度摄影师(学生组)获得者。2019年,她还获得了东京RemindersPhotography Stronghold Grant in Tokyo奖和国际摄影奖创意奖。她受到的提名包括玛格南基金会颁发的英格·莫拉特奖,汇丰银行大奖,勒瓦卢瓦大奖赛。

“我的摄影研究始于四年前,当时我父亲的去世引发了我的一次归乡之旅,在这次旅途中我探索了传统的希腊丧葬礼仪。在我的国家的社会和宗教背景下,我将母亲描绘成一个哀悼的人物。我开始慢慢地开启一场个人的叙述,这段叙述将我的家庭和文化中的悲伤交织在一起。为了进一步了解我的根,我扩大了对希腊玛尼半岛上最后一批专业送葬者的集体哀悼和仪式哀哭的研究范围。

在表演和预设情感的十字路口,我的目的是审视哀悼的工作如何将现代的观看,阅读和感觉体系与当今希腊的死亡主题联系起来。完成一个关于悲伤作品作需要经历记忆和记忆丧失的过程。在某种程度上,这些图像充当了哀悼破灭的生命力,繁荣和归属感的典范的工具,试图通过创造一个可以存在死亡的空间来传达比他们的主体更多的东西。希腊一直是这个作品中的灵感,但是描绘的方式是想象性的。这就像家园是一个人之记忆所不可及的地方,一个充满好奇的地方,是一个通过家庭,宗教,神话和自我相遇死亡的地方。”

他的这个作品,源于安德烈·布雷顿的超现实主义小说《纳贾》。遇到一位颇为困惑和痴迷的主角,希望完全生活在玻璃屋中,原因是这会给他本人带来凝聚力和清醒感。受此启发,ALEXANDER采用废弃温室这一1960年代农业时代的手工艺品来思考历史和文化,渲染成为拟人化的雕塑。摄影媒介及其研究实践成为被讯问和传播的一种设备。他的作品中回应了以下主题:自反性,暂时性和变态性。

这个标题指向重复拍摄的概念或体验:看一眼,通常会发现一些出乎意料或被忽视的东西。这个行为唤起了艺术家对视觉现象的浓厚兴趣,并为我们提供了一扇门,让他对怀疑和门槛的本质以及媒介本身产生关注。

ALEXANDER 不断借鉴马塞尔·杜尚和罗伯特·史密森细致入微的作品,以探索这片废墟作为熵能量的地方。并在文字和形而上学的材料之间形成类似的关系:玻璃和底片;生活和形象;死亡和变形。考虑到这一点,作品看起来就像是当代考古学:一艘船只,玻璃的破碎和炼金术的特质,成为了这个世界和我们所居住的图像的温床,暗示着更大的隐喻。

JONAS的作品主要受到投机现实主义和新唯物主义的启发。JONAS此前在比利时学习,受到了对象导向哲学以及与非人类实体关系的影响,使他专注于非人类材料的积极作用,这是美学领域的一个非常小众的话题,但却至关重要。

JONAS努力创造一种投机性叙事,在这种叙事中,不可抑制的事物随着生命的脉动而跃动,并成为活生生的装置,这要归功于它们引起的美学效果,这些时刻使我们能够审视它们的非同一性。

KATIE是伦敦的一位艺术家,她利用摄影的粘性物质来探索存在的偶然性和话语性。她对后人类和互联生态感兴趣,在研究中使用图像捕获,干预和打印的替代方法探索了数字和身体的融合。

这个项目以后人类的物质为媒介,探讨了代理现实主义的概念;一切存在的联系、偶然性和因果性。广泛而漫谈的研究方法所产生的视觉反应产生了一种不断发展的话语,这种话语将照片的实质性进行了延伸,漂浮在损毁现实中。

LOWENA本科从南威尔士大学的纪录片摄影专业荣誉毕业,她的作品涉人与土地的关系,探索了一种反思污染和对生境的破坏的新方法。通过将隐藏物带入可见区域,LOWENA揭示了看不见的错综复杂的事物以及不尊重生命基础土壤的危险。POOLE是2020年Act on Your Future人权摄影奖的联合获奖者。

除了气候恶化,地球土壤还处于管理不善和退化的危机之中;污染和表层土壤枯竭已成为现实。该作品旨在通过将隐藏物带入可见区域,提出一种反思人类污染和栖息地破坏的新方法。使用红外胶片记录历史性垃圾掩埋场,凸显了红外辐射的存在。红外辐射是地球辐射的一个组成部分,人类污染加剧了这种辐射。

该作品中真菌的出现是为了强调这个王国在世界土壤健康中的重要性。菌丝体网络改善了土壤结构,增强了植物内部连接的效率,并通过分解为土壤补充了养分。真菌菌丝体的分支状网状菌丝已被命名为地球的自然互联网,它以分形的形式显示了现实的相互联系的本质,它以各种规模和形式存在。这个王国对于地球土壤的健康和再生至关重要。

MARA于2016年毕业于加拿大多伦多OCAD大学,获摄影学士学位。自2015年以来,她的作品在国内外画廊多次展出。Mara是众多奖项的获得者,包括Stephen Bulger画廊奖学金(2016),Project31奖(2016)和JimP. Shea奖(2018)。2015、2016、2017和2018年,在Magenta基金会为加拿大、美国和英国新兴摄影师举办的Flash Forward中,她被选为获奖者之一。

在这个系列中,MARA试图破坏框架内外的人物与其期望之间的关系。奇怪的建筑,里外颠倒;一个满是等待座位的房间,不应该去的家具店。动感的玩具和在红绸海下翻腾的汹涌魔力,在这场朦胧的记忆中扩张物体或身体及其阴影,可用来迷惑和模糊内部和外部空间,图形与地面,深度和尺度之间的感知边界。这些图像通过非成形的形式,来表现身体,创造了非人类中心的空间,这些空间激活了光和颜色在图像中的作用,成为与未知对象进行情感相遇的潜在场所。

MARIE是一位来自法国的视觉艺术家,现居于伦敦和法国。在植物疗法和生物学的启发下,她的作品着重对女性和女性性行为的心理分析和哲学研究。Marie选择远离政治和性别,发展自己的视角。她创作了有关妇女的自信、女性的亲密关系、性取向和身体的照片,装置和文字,表达了在父权制和以男性为中心的社会中作为女性生活的感觉,并质疑该社会为她创造的形象。

在过去的一年中,MARIE一直在努力使作品与政治、资本主义脱离。这种理想主义的努力,也容融在她的作品中,体现了其精神性的短暂存在,以及对分门别类行为的抵制。她试图对摄影,自拍,造型和写作的定义提出挑战,并且努力通过拒绝适应任何地方来摆脱既定的类别。在她的作品中,体现出自然与物质身体之间的共生关系,以及自己所创造的“身体系统”。

GODITH于2018年从布莱顿大学美术实践本科荣誉毕业,之后她获得了当代视觉艺术网络奖的提名,并获得了德拉瓦馆毕业生奖。她还曾是RCAFALL INTO PLACE的编辑。

GODITH的创作是从法医和家庭档案中解构并重新制作与特定的遭遇相关。通过超越对照片的初步阅读,并多次扮演表演角色,该作品具有了重新制定和记忆的作用。这些作品研究了零碎化和重复化,以及这些因素是如何影响我们与原始档案图像的关系。

上下文成为了叙事,将视线转移到隐藏或潜在被忽略的事物上。从原始资料中提取出来的作品显示出不稳定性。GODITH试图质疑中性照片的理念是可靠的这一想法,干预行为成为一种衡量形式,一种试图理解的方式,该作品试图应对情感,外观,触觉和姿态这些想法,为在主体和客体之间存有一席之地。假装成其他东西会误导人,最初的漂泊感浮出水面,真相的概念无处不在。

EDEN生于1993年,本科毕业于爱丁堡艺术学院,获得一等学位,她曾获爱丁堡大学PURCHASE奖,凯瑟琳·迈克尔森奖,THE NUMBERSHOP展览和居住奖以及RSA新当代奖。EDEN受苏格兰著名摄影画廊斯蒂尔斯摄影中心的委托,参加了群展“境界:苏格兰摄影作品2017”,该作品参加了英格拉姆藏品展览。在2019年,她参加了日本的北海道和东京的一项受资助的驻地计划,最终完成了一场现场展览且进行了作品的出版。eden还是NET WT的一员。在伦敦皇家艺术学院攻读硕士学位的同时,她还从事自由摄影师和数字艺术家的工作。

通过照片,扫描和数字成像模式,EDEN的创作研究了嵌入日常家庭和工作环境中的外围材料和表面。她对织物,内饰和材料的可能性及其在其社会经济环境中进行反思,干预和反应的能力感兴趣。

SHIYUN围绕个人情感中关于孤立和疏离的话题进行创作。这种孤立不仅是一个人在并非感知到真正痛苦的时采取的感性姿态,还受到外部政治和经济环境的影响。

黑格尔阐述异化理论时,从劳动的角度将人类的自我生成视为一个过程,这体现在他的辩证法和相关的法律哲学中。另外,马克思的异化理论是基于他对资本主义工业生产过程的观察:工人不可避免地失去对工作的控制,从而失去对生活和自我的控制。工人从来都不是一个自治和自我实现的人,它们只能以资产阶级想要的方式存在。在SHIYUN看来,黑格尔和马克思的理论分别代表着创作者的精神世界和资本属性。两者在矛盾与统一之间也具有辩证关系。

在当代社会,人的异化似乎是一个无休止的循环,但是这个循环是客观世界的必然发展,很难受到主观个体的影响。物质社会影响了个人精神的塑造,但是个人精神的觉醒很难撼动物质世界的基本框架。作为一个创造者,作为一个个体,我们注定会对艰难的现状产生消极和绝望的感觉,所谓的艺术品批判也作为一种无能为力的抵抗而存在。

SINING是一位摄影师和电影制片人。她对女权主义电影和new dramas感兴趣。她的研究涉及中国的女权主义,男性凝视和女性凝视。她在伦敦和北京工作。

托马斯·摩恩,生于1994年,是伦敦的一位艺术家。他于2015年在布莱顿大学获得摄影学士学位,然后移居伦敦,随后于2018年在皇家艺术学院获得文学硕士学位。

他的方法论源于焦虑,他试图通过艺术创作来表现这种感觉。他用树脂浇铸作为索引工具,包含图像碎片以及在物体上重复的手势。最终的照片呈现是根据个人经验,历史以及对物质的强烈参与而塑造的。

这里展示的作品是Temporary Structures In Time And Space 项目的一部分。该项目旨在探索摄影捕捉长时间变化的能力,模拟摄影将底片本身视为对象,然后可以用来制作版画。

通过将曝光量叠加在一起,逐步进行增量工作,每个负片都需要花费大量的时间才能创建。精度是关键:微小的瑕疵会因多次重复而变成严重的错误。这些作品冻结的动画,随着时间的推移出现的动作,不可能消失的雕塑变消失,又重新出现而存在,反映无时无刻的过去。

XIAOCHUN围绕着东西方文化之间的关系,讨论不同视角和背景下的差异和争议。

这个项目,她从童年时代不断经历的创伤经历中获得灵感,包括不断地移居到不同城市,在学校接受专业游泳训练,XIAOCHUN的作品探索了他人与我之间的关系,不同角色的转变,身份变化,缺乏归属感,脆弱性,痛苦,短暂和记忆力,通过艺术创作表达自己的感受和想法来治愈自己,这也是寻找与他人交流的方式,试图尝试为观众带来体验而不是被动观察的可能性。

YING的童年经历促使她尝试表达一种无法形容的人与动物之间的暴力形式。她的研究将以人类为中心的视角转向了动物的凝视,她过渡时期的作品还包括对宗教,仪式和死亡的探索。这与她早期作品的叙述相反。

Constanza是驻伦敦的智利艺术家,她获得了智利国家研究与发展局(ANID)的两年奖学金,以支持她在在皇家艺术学院进行学习。之前,她以最高荣誉毕业于智利大学和智利天主教大学。

此前,她在马德里Complutense大学的美术学院任职,并在那里进行了为期六个月的研究。2013年,她在纽约的国际摄影中心(ICP)学院完成了课程。2015年,她以优异的成绩获得智利大学视觉艺术硕士学位。目前,她正在伦敦皇家艺术学院攻读摄影硕士学位。

她认为摄影是一种物质,这使她得以探索摄影图像交织的物质特性,这一过程被她称为“摄影化身”。这些是图像和素材融合在一起的过程。因此,她的作品使人可见,每张照片的复制或可视化总是独特且不可重复的,即使其性质是电子数字化的。

Deepak Kathait生于1988,2010年在新德里艺术学院获得文学学士学位,他的跨学科作品遍历绘画与绘画,摄影,版画,拼贴,混合媒体,文本,视频和基于数字的艺术。Deepak通过实践,沉思于精神,形而上学和自然,同时探索各种主题,例如宗教,史前亚洲的情色艺术,消费主义和日常街头。

作为rca2020在线展览的一部分,Deepak展示了他不同系列的项目,探索神性,形而上学与自然。他尝试了多种媒体,材料和技术,例如 摄影,绘画,绘画,印刷和数字媒体,并发明了他的抽象与极简主义相结合的制作方式。

ELLIOTT认为,当下这个世界是一个不断受到图像和输入,存储和分信息的通信媒体所驱动的,因此人很容易会受到以下想法的困扰:我们周围没有任何东西,没有思想或对象,无法通过便捷的技术表达出来,即使这些技术触手可及,一直延伸到视野。这种痛苦很像哲学格言,指出世界的边界是由人类语言和思想的局限构成的。

Gülce本科毕业于意大利的博科尼大学,从小在土耳其长大,然后他开始对成年生活,带面纱的文化产生兴趣。这意味着什么?GÜLCE围绕它创建视觉语言的无穷可能性使之着迷。对话越复杂,GÜLCE意识到围绕面纱自由论证中的双重性,这在他的摄影作品中被表示为“双重”。最重要的是,GÜLCE开始意识到,它有可能为两个不同的女人之间所失去的对话重新创造了空间:世俗的和宗教的。

他对视觉文化感兴趣,既可以作为政治环境的培育,也可以作为一种补救措施。从电影院到互联网上流传的数字图像,GÜLCE创建的叙述都以最近的公民国家动态为重点,关注妇女及其在社会中的地位,讲述都是一种引导世界成为敏感的人,渴望塑造一种社会正义的方式。

最近,COVID带来了越来越多的法规,宵禁的重新引入,生物跟踪,面部识别以及全面的监视。每个人都是以两极分化的。这种技术的资本主义特权,加上这段时期的紧迫性,给生活在监视之下的少数民族和边缘化社区带来了比其他人更多的伤害。

对于GÜLCE来说,“在集权国家看到女性尸体意味着什么?”最终变成了“在集权国家所拥有的技术下,看到女性尸体意味着什么?”的问题。

Tateisi于1986生于芝加哥,是一位视觉/声音艺术家。他通过使用人工神经网络,多通道音频系统,录音,建筑方法,表演,策展和摄影的白话进行创作,观察x时代的本体论以及声音景观。

Yang主要从事图像工作,并扩展到了雕塑,装置,运动图像和声音等领域。她的创作感发于迷失,欲望,爱与其他中失去的东西。通过观察我们作为人类如何应付日复一日的错综复杂的情感和创伤,YANG创造了自传性的作品,探索了语言和错误沟通如何塑造了我们的亲密关系。

LUNHUA出生于中国北方,她使用摄影、影像和装置的方式进行创作。在视觉和听觉的基础上,LUNHUA扩展了装置作品的内部空间叙事,并为观众构建了多维层面的交流。

她的这个作品探索超越摄影作为记录以外的功能,并反思图像和概念之间的“差距”。LUNHUA的作品关注当代文化背景下人们独特和隐藏的情感。尤其是,他们在儒家文化复兴的文化背景下考察了亚洲女性的生活状态。

MARIA本科在意大利读,后现在皇家艺术学院的建筑系就读,之后转到了摄影系。MARIA在重要历史遗迹上进行了研究方法是他调查的一部分,目的是将当下的故事重塑到过去,并挖掘被遗忘的叙述,同时不断地反思自己在其中所处的地位。

ROEI在以色列北部与黎巴嫩接壤的基布兹长大。2009年移居特拉维夫,并于2013年获得文学学士学位。在对以色列的风光,地理,历史叙事和自传进行了多年调查之后,ROEI于2018年离开以色列。 他的摄影实践将风景视为文化、地理和自传之间的复杂交汇点。 人类活动对土地,政治边界和生态的影响是他研究的问题之一。 大画幅相机和胶卷的使用创建了多层摄影视角; 图画和诱人却试图破坏传统的景观表现方式。

这个系列《乡村漫步》的灵感来源于英国著名的文化习俗——走路。尽管走路是民间普遍的行为,但走路却根植于ROEI本人的文化背景中的一种意识形态。在土地上行走就是要了解土地,涉及到拥有的权利和所有权。ROEI开始调查英国的乡村,熟悉该岛的地理环境,这是一种涉及帝国和殖民历史的制图行为。

Shir Raz是一位多学科的艺术家,她的创作实践是通过摄影,雕塑和装置研究替代现实和历史叙事。

SHIR本科毕业于美国帕森斯设计学院的时装设计专业,之后前往RCA攻读摄影硕士。她的作品关注自然与人的关系,探索了现代化对我们地球的影响,并在美国,欧洲和中国展出。

在这个项目中,XUAN将室内物体与自然融为一体,以寻求生态与城市生活之间的平衡。此项目还致力于通过环境与人类之间模糊的边界探索我们想要的环境框架。 作者试图与观众分享的观点是对生态系统的关注,并重视我们所处的每时每刻。

“不仅仅是一个隐喻”是一个9分钟的视频装置,由发现的监视摄像机镜头组成,并在考虑了福柯的Panopticon概念的基础上探索了虚拟身份和隐私。

通过使用在网上找到的监视录像,该作品提出了有关隐私和此类系统声称提供的安全性问题,对于技术如何塑造,包括塑造在线身份以及我们对它的访问方式,进入到更广泛的讨论范畴。SOPHIE质疑在拥有正确知识的情况下所有访问都是可用的时代,那么真正的隐私意味着什么?

1991年出生于哥本哈根,MATHIAS本科学的是影像和多媒体。通过他的实践,他坚持要与世界本身对照来对世界的“准予考虑”的观念进行探索,试图挑战该规范存在的标准。他质疑人类与我们(有意或无意)放入世界的事物之间的关系和分离,包括对象、材料、技术、疾病、汽车、塑料、癌症、真理等观念,事物所具有的意义超出了可见的范围,超出了其存在的原因,因此他的实践成为检验这些事物如何告诉我们有关我们自己的过程。

寻找意义将永远是无止境的,而且永远不会是普遍的,因为从无处可寻的观点不存在,MATHIAS的作品力图进一步挑战自己以及与该主题相关的前人关于批评和正确性的观念。

JIANG是一位居住在芝加哥,伦敦和上海的艺术家,主要以摄影作为主要媒介进行创作,对象征主义以及如何通过这些象征构造“真相”进行了探索。

JIANG对该项目进行媒体研究,特别是在日常新闻中如何进行象征性交流。在他看来,象征主义的交流创造了意识形态的同时考虑到了报纸这一因素,每篇报纸都有可能是一种宣传。他认为负面宣传是对社会制度和人身自由的入侵,是一种令人不安的喧闹声。 另外,负面宣传大多表现为不良形象。它既没有信息性的,也无美感。

这个项目的研究采用了三个平行的叙述:报纸上的原始文字和图像,原始新闻中的重构图像以及报纸上的装置。将主要的水果和花朵用作可创建的开放式叙述符号,它们的含义随时间而改变。在现代世界中,水果和蔬菜以及鲜花没有固定的符号。开放式叙述使观看者可以自由地阅读信息的含义,因此可以避免对该主题所产生的个人偏见。水果,鲜花和报纸也有很多相似之处,他们都强调暂时性和日常感,这是社会的重要组成部分。

JIANG试图将各种水果转化为消息,以回应或解构报纸上的原始消息。它可以在艺术品和观众之间建立有趣的对话,同时避免了作者比观看者处于更高阶的位置。

TRIS本科毕业于纽约大学TISCH艺术学院,学的是摄影和图像。他主要通过摄影,电影,雕塑和表演围绕自我,亲密感和手势进行创作。他的研究考虑了图像中自我的位置,以及整体与无常之间的反复,并利用自画像作为检查照片再生特性的一种手段。

ZEHUA来自中国北京,本科毕业于北京大学,并与2015年参加了北京大学、爱丁堡大学、约克大学的联合项目,并获得XINHE奖学金。她曾入围BJP和伦敦博物馆的联合展览,获得IPA摄影比赛的金奖。现在她是北京WEINSIGHT STUDIO的合伙人。

ZEHUA主要研究兴趣集中在集体文明与个人自由之间的矛盾上。 摄影是她观察世界的眼睛,是她从中进行短暂呼吸的疗法。她在新疆长大,之后前往北京和伦敦上学,她的人生经历也是整个现代化的缩影:从欠发达的小城市到高度分化和高效的大都市。 大城市的生活极其便捷,快捷,但却压缩了人们的个人时间和空间。 现代性就像一台压倒性的机器,不断吸引着更多的人跳入这一整体,共同创造奇迹,但是这一切都是以牺牲个人自由为代价的。

那么,这个矛盾有解决方案或平衡点吗?艺术可以治愈人们的麻木和疲惫的心吗?她将继续在视觉艺术这条道路上追寻答案。